BLUE IS IN FASHION THIS YEAR

photos by maria vittoria backhaus - commented by sergio zambon

We happened to find these pictures whilst looking through the collection of the s.t. bookshop and photo gallery in Rome. Matteo Di Castro, founder and manager of s.t., told us that they date back to 1981. They were taken by Maria Vittoria Backhaus for a fashion spread. The photographer herself confirmed the date of the photo shoot and told us that the pictures were published in Vogue Pelle, at the time when Carla Sozzani was editor-in-chief. More than this information, however, what caught our eye was the atmosphere that transpired from the pictures. This atmosphere immediately took us back in time, to a specific style and an imaginary that influenced an entire era. We decided to show the pictures to an expert who could certainly recall that era, but who is also still deeply involved in the contemporary art and fashion industry: the designer Sergio Zambon. Our interest in the pictures arose from their content, their style, their quality – atypical in the realm of fashion – and, above all, from the historical references that they contain. Though these pictures represent the spirit of the 80s in their colors, materials, and style, they do date back to 1981, and are thus fundamentally pre-80s. We also liked them because of the sequential and complementary quality of their subjects and shot compositions. We asked Zambon whether, given all of these aspects, the pictures could be used in a fashion spread today.

No. There’s too much in them. You can tell this is the Memphis era, the Sottsass era. They’re very static. You can still see a strong connection to design. Today fashion photographs are, in a certain sense, less connected to the cultural context. They are disconnected from the design industry, for instance. I mean, you can see that there’s something in these pictures that isn’t at all “fashion.” Look at the photo with the punching ball: you would never take a picture like that today. Fashion encompasses everything in itself. It uses the object. Today’s fashion is more powerful and, of course, more commercial. For me, the main thing is that it has lost the cultural dream, which you can still pinpoint in these pictures. For instance, you can easily notice some Mendini or Sottsass in them, if you know what I mean. Sure, you can still find that in fashion photographs today, but it’s all marketing, business. Come to think of it, you can see that these pictures date back to the 80s because of the woman’s proportions, because of the culotte, the shoulders. Nowadays, American Apparel might take a photo like that, but it would be done in a different way, from a completely different perspective.

So the point wasn’t the unquestionable quality of this photo shoot, but the fact that it represented a specific cultural attitude, which is exactly what we understood, in an inarticulate way, the first time we saw the pictures. We then asked ourselves whether that was a peculiarity of this specific photo shoot, or whether it reflected a common tendency of that era.

The subject matter, and the way it’s photographed, relates to that era, above all in terms of composition. But also because of the still life elements, the exposure, the colors, and the objects used in the picture; because of the staging of a kind of modernity that was still tied to the dream of cultural evolution. There was a tendency to give meaning to fashion itself. Today the supply is so varied that there’s no need to look for novelty at all costs. Everything is more of a divertissement, but full of power and marketing. Think of the TV shows: at that time a TV show would have a specific set, connected to the design of that era, steeped in the cultural of the time. These pictures are exactly like that. In some way, everything in them reflects that era, and it’s not by chance. There’s the see-through shower curtain, lots of plastic, the colors: in short, the 80s. Today, everything is free, quick, and limited.

Another eye-catching aspect was the staging. Not the arrangement of either the objects or the subjects so much as the point of view. We wondered if this was specific to fashion photography of that time, or if it’s still popular today.

No, today you don’t see anything. The focus is on what you want to show. Like I said, there’s less of a search for new things. In the 80s, a composition that exceeds the set by thirty centimeters might have been something new, at least in the field of fashion. Now there’s the mission of the photo shoot as an end in itself, even if it’s a great shoot. Today, these pictures might belong in a design magazine. It might not be contemporary art, but it’s borderline. That was also a very peculiar time for Milan, the peak of its international reputation. Milan was the center of everything, it was a rising capital, for its fashion, its design, its money, its stock exchange. It could afford to do certain things. It was really very fertile in that sense.

However, I would never think that these are contemporary pictures. You can tell they belong to a specific era. You can tell from how the objects are placed. Take the picture with the punching ball for example: if it was cropped I could be misled, but as it is there’s too much set. But even though the composition is dated, it doesn’t mean that the picture isn’t pertinent, quite the contrary. It is, however, very static, very still life, and very referential in terms of 80s design. If you wanted to use a picture like that today it would have to be as a point of inspiration, a jumping off point. But then it would depend on how you used it, what you put next to it, it would have to be related to something different. But in terms of how the objects are displayed, it makes me think of something certain magazines do today, the generic ones that show accessories by putting them on display. Which isn’t something Vogue would do, of course. Basically, I find this photo shoot dated, but still very valid. It reflects the spirit of its time. So, in current terms, I think this could make a good starting point, something you could re-elaborate. Think of the picture with the cropped composition that shows the legs at the top of the staircase: it could be re-shot by The Gentlewoman, which is one of the few truly contemporary magazines around today. A lot of people criticize it because it depicts a tough, harsh, very masculine woman, but some women today are like that - at least, a certain kind of woman. All in all: yes, I think this photo shoot could definitely be re-used. Furthermore, it’s very likely that certain contemporary design magazines could publish some of these pictures as they are, like the one with the staircase for instance. Take the magazine Case per Abitare. Or, going back to the picture with the legs on the stairs: it’s very intelligent. There’s design, there’s fashion, there’s a conception of photography that’s original for its time. You could easily take that picture as a starting point. Of course, it works because of the sportswear. You couldn’t show a pair of trousers that go with an elegant stiletto heel like that, it would be ridiculous. That’s not how a lady walks down the stairs. That’s what’s changed today: everyone’s status is recognized. The lady, the boy, the avant-garde. Once upon a time, there were fewer constraints. Once, it was just “avant-garde,” or “classic,” or “money.”


In this photo shoot some pictures are full of objects, garments, accessories, while other pictures are empty, sort of stripped of elements.

It’s not easy to tell whose garments and accessories these are. I would say Byblos or Krizia, but the point is that that’s in the background. These pictures show a certain style, but the brands are of secondary importance. It’s a trend from that time, a sort of American-style sportswear, casual and pop. There’s a certain way of using the picture, there are elements that belong to the realm of athletics, that have something to do with a specific style, because they share the same graphics, the same kinds of colors, pop and bold, the same cultural references. In fashion it’s very common to reinforce a concept by adding an element or an image that evokes what you’ve done, whether in a good or a bad way. To some extent, that still happens today. Maybe not at a commercial level, but you can certainly still do something like that for more sophisticated projects. But next to the picture with the tennis racket, for example, you would hardly see the picture of a romantic lace couture dress. You would expect to see something similar to what you are already seeing. They are hints in line with the project.

Another question concerned the content of the pictures, the brands that influenced the production of a photo shoot of this sort.

Considering when they were taken, they strike me as very new. We’re talking about 1981. At that point people were still wearing stuff from the 70s. For better or worse, fashion is always one step ahead of real life. I think plenty of people were still dressed in rust brown, camel, or Loden green. Here you see yellow and fuchsia. Maybe some people still wore pointed shirts. In Italy, the imagery of the 1980s – all colorful power-suits, broad shouldered jackets, frizzy hair, bold colors – is universally represented by Versace, even though Armani was there too, all grey and black. This can’t be a Moschino photo shoot: Moschino was something different. It may seem strange now but he was like the Margiela of the time. He was an anomalous kind of conceptual, because it wasn’t a conceptual aimed at a niche or an avant-garde elite, but at a broad, bourgeois public. This photo shoot is not at all Moschino. This is an 80s sportswear trend, which proposes a certain “easiness.” Moschino made things that were accessible to everyone in terms of taste, but that included very sophisticated concepts.

In the end, we asked ourselves who could be the photographer of such a picture, today.

I really don’t know, I would say a photographer who has to take commercial pictures, which have to show and sell the product. But this was another level, another approach. I don’t think Vogue does this anymore. It might go over the top and show four pictures entirely void of objects, but that’s something completely different.



Sergio Zambon (1965) is an Italian fashion designer who lives and works in Rome. He has collaborated with notable brands in the international fashion scene. He also runs his namesake prêt-à-porter brand.

Maria Vittoria Backhaus (1942) is an Italian fashion photographer. She has collaborated with several magazines such as Casa Vogue, L'Uomo Vogue, Abitare, Linea Italiana and Harper's Bazaar Italia.





Abbiamo trovato queste foto sfogliando la collezione di fotografie della galleria e libreria di fotografia S.T. di Roma. Matteo Di Castro, fondatore e direttore della galleria, ci ha spiegato che erano stampe originali risalenti al 1981, scattate da Maria Vittoria Backhaus per uno shooting di moda. La stessa fotografa ci ha confermato poi la data del servizio e ci ha spiegato che erano state pubblicate su Vogue Pelle sotto la direzione di Carla Sozzani. Ma a prescindere da queste informazioni, ciò che ci aveva colpito era qualcosa che traspariva dalle foto stesse e che ci riportava ad un gusto specifico, ad un immaginario che ha fortemente influenzato un periodo. Abbiamo così deciso di sottoporle ad una persona che di quel periodo potesse avere memoria ma allo stesso tempo che fosse pienamente attiva nel contemporaneo, il designer Sergio Zambon. Queste immagini ci interessavano per una questione formale, stilistica, per la loro qualità atipica nel contesto della moda, ma anche e soprattutto per il riferimento storico che esse contenevano. Sebbene rappresentino lo spirito degli anni ‘80, per i colori, i materiali, lo stile fotografico, sono foto del 1981, quindi fondamentalmente pre-anni 80. Ci piacevano per la loro sequenzialità e complementarietà dei soggetti e delle inquadrature. E abbiamo domandato a Zambon se per tutti questi motivi potesse essere un servizio di oggi.

No. Perchè è troppo pieno. Si vede che è il periodo di Memphis, di Sottsass. È un servizio molto statico. C’era ancora una relazione forte con il design. Adesso, per certi versi, gli scatti di moda sono più scollegati dal contesto culturale. Scollegati dal design per esempio. Intendo dire che si vede che qui c’è qualcosa che non è per niente “moda”. Prendi la foto col pungiball, oggi non la farebbero così. Oggi la moda ingloba gli altri dentro se stessa. L’oggetto lo usa. La moda oggi è più potente e ovviamente più commerciale. Per questo secondo me il punto fondamentale è che si è svuotata del sogno culturale, che in queste foto ancora c’è. Appunto, sembra di vederci Mendini, Sottsass, per capirci. Adesso, sì, ce lo mettono dentro, ma bene o male è marketing, business. Ora che ci penso bene, posso dire che si vede che sono anni ‘80 per le proporzioni della donna, la culotte, le spalle, (foto con la donna di spalle). Oggi la farebbe magari American Apparel, ma in un altro modo, da tutta un’altra prospettiva.

Quindi i punti erano che si trattava di un servizio di indubbia qualità, ma anche un servizio che rappresentava una specifica attitudine culturale, che è quello appunto che avevamo letto senza chiare spiegazioni la prima volta che abbiamo visto le foto. Ci siamo quindi interrogati se questa qualità fosse specifica del servizio o se invece rappresentava una specie di spirito comune di quel periodo.

Il tipo di materiale, com’è scattato, è figlio dell’epoca. Principalmente per questioni di composizione. Per la questione dello still-life. Per la tipologia di esposizione, di colori e di oggetti e per la messa in scena di una certa modernità che era ancora legata al sogno dell’evoluzione culturale; si voleva dare un certo significato alla moda stessa. Oggi l’offerta è talmente varia che è scaduta l’idea della ricerca della novità a tutti i costi. Tutto è un po’ più un divertissement, pieno però di potere e di marketing. Pensate agli spettacoli televisivi, nei programmi dell’epoca c’era un set ragionato, che era collegato al design dell’epoca, era calato nella cultura del tempo. Ecco, questo servizio è così. Non è un caso che tutto, in qualche modo, richiami quel periodo. C’è la tenda trasparente nella doccia, tanta plastica, i colori, insomma: gli anni 80. Oggi è tutto, in un certo senso, libero, limitato e rapido.

La messa in scena era infatti uno degli altri aspetti che ci sono sembrati interessanti. Non tanto la disposizione dei soggetti o degli oggetti, quanto il punto di vista. Ci siamo chiesti se era propria del periodo e dello stile della fotografia di moda o è tutt’ora in voga.

No, oggi non vedi niente. Il focus è tutto sulla cosa che si vuole mostrare. Come ho detto, c’è meno ricerca dell’idea di novità. Forse negli anni ‘80 questa idea di mostrare un inquadratura che va trenta cm fuori dal set era una novità, almeno nell’ambito della moda. Ad- esso c’è la mission del servizio fine a se stesso, anche se di grande qualità. Oggi queste foto semmai, potrebbero stare in una rivista di design. Magari non è arte contemporanea, ma è borderline. Quello era anche un momento molto particolare per Milano. Era al suo apice internazionale. Milano era veramente al centro di tutto, era una capitale in ascesa. Per la moda, il design, i soldi, la borsa. Ci si potevano permettere certe cose. In questo senso era davvero molto fertile.

In ogni caso non penserei mai che sono foto di oggi, si vede subito che sono figlie di un’epoca specifica. Lo si vede da come hanno disposto le cose. Magari quella col pungiball per esempio, con un diverso taglio d’inquadratura, molto più stretto mi potrebbe ingannare. Qui c’è troppo il set. La composizione della fotografia è datata, questo non significa che non è valida, anzi. Ma è molto statica, è molto still-life ed è molto referenziale rispetto al design eighties. Per utilizzarlo oggi lo si potrebbe prendere come spunto, punto di partenza. Ma poi dipenderebbe da come lo usa, cosa ci accosta, dovrebbe metterci qualcosa di diverso accanto. Però, per esempio, parlando di come sono disposti gli oggetti mi viene in mente quello che alcune riviste fanno oggi, quelle generaliste che propongono accessori e li dispongono in un set. Ma non lo fa Vogue, ovviamente.
Diciamo che questo servizio lo trovo evidentemente datato, ma è molto valido e rappresenta un esempio alto dello spirito dell’epoca. Quindi, pensando all’oggi credo che potrebbe essere un punto di partenza valido per poterci rilavorare. Prendi la foto con l’inquadratura che taglia e fa vedere gambe in cima alle scale, la potrebbe rifare The Gentlewoman, che è una delle poche riviste veramente attuali oggi. Molti la critica- no perché rappresenta una donna molto dura, harsh, maschile, ma la donna oggi molto spesso è così, almeno un certo tipo di donna. Insomma sì, è completamente riprendibile questo servizio. E per certi versi, alcune riviste di design di oggi potrebbero benissimo pubblicare alcune immagini come quella della scala e basta. Prendi Case Per Abitare. Oppure ritornando alla foto con le gambe sulla scala, è una foto molto intelligente. C’è il design, c’è la moda, c’è un’idea di foto che è nuova per il periodo. Da quella si potrebbe ripartire tranquillamente. Ovviamente funziona per l’abbigliamento sportivo. Non ci potresti mettere un pantalone che va col tacco di lusso, sarebbe ridicolo. Una signora non scende in quel modo. È qui che oggi è cambiato, oggi si riconosce a tutti il loro status. La signora, il ragazzino, l’avanguardia. Un tempo si era meno costretti, un tempo era “l’avanguardia” o “il classico” o “i soldi”.


Nel servizio ci sono foto piene di oggetti, capi d’abbigliamento, accessori, altre invece sono vuote, quasi svuotate.

Di chi siano i capi e gli accessori non è facile capirlo. Mi viene in mente Byblos o Krizia, ma il punto è che la cosa va in secondo piano. È una proposta di stile con le griffe in secondo piano. È un trend dell’epoca, lo sport all’americana, casual e pop. C’è un uso dell’immagine particolare, ci sono elementi che fanno parte del trend, il ginnico, che hanno a che fare con lo stile specifico perché hanno la stessa graficità, lo stesso tipo di colori pop e bold, lo stesso richiamo culturale. Nella moda spesso si cerca di rafforzare il concetto mettendo un oggetto, un’immagine, che bene o male evochi quello che hai fatto. E questo, almeno ad un certo livello, succede ancora oggi. Non a livello commerciale magari, ma per progetti un po’ più evoluti lo puoi ancora fare. Dopo questa foto con la racchetta da tennis, per esempio, sarebbe difficile vedere poi un vestito di alta moda in pizzo romantico. Ti aspetti ovviamente di vedere una cosa come quella che effettivamente vedi. Sono dei referenti in linea con il progetto.

Un’altra questione era quella del contenuto specifico, della griffe che aveva stimolato la realizzazione e la produzione di un servizio del genere. Per quegli anni, mi sembrano cose molto nuove.

Stiamo parlando del 1981, in quegli anni la gente ancora si vestiva anni ‘70. Nel bene o nel male, la moda è sempre temporalmente un po’ in anticipo rispetto alla realtà dei fatti. Secondo me c’era ancora tanta gente vestita in ruggine, cammello e verdone Loden. E qui invece c’è il giallo, il fucsia. Forse c’era ancora gente con le camicie a punta. In Italia l’immaginario degli anni ‘80, colorato e power-suit, con la giacca con la spalla larga, i capelli vaporosi, i colori forti, è rappresentato universalmente da Versace, anche se c’era Armani che era tutto grigio e nero.
Non può essere Moschino perchè Moschino era un’altra cosa. Sembra strano ma era un po’ come un Margiela dell’epoca. È stato un concettuale anomalo, perché non era concettuale per la nicchia o per l’elite d’avanguardia, ma per un pubblico di massa, borghese. Quindi no, questo servizio non è Moschino per niente. Questo è un trend degli anni ottanta sullo sport, che propone una certa “easyness”. Moschino faceva cose che per il gusto erano accessibili a tutti, ma dove c’erano dei concetti molto sofisticati.


Ci siamo infine chiesti chi potrebbe essere il corrispettivo oggi, come fotografo.

Non so, direi quei fotografi che devono fare delle cose di impostazione commerciale in cui far vedere il pro- dotto. ma qui era un altro livello, un’altra impostazione. Oggi non credo che Vogue faccia più questa cosa. magari oggi esagerano e mettono quattro foto vuote senza oggetti, però è una cosa diversa.



Sergio Zambon (1965) è uno stilista italiano. Ha collaborato con grandi firme della moda internazionale e dirige il suo omonimo marchio prêt-à-porter donna. Vive e lavora a Roma.

Maria Vittoria Backhaus (1942) è una fotografa di moda italiana. Ha collaborato con numerose riviste tra le quali Casa Vogue, L'Uomo Vogue, Abitare, Linea Italiana e Harper's Bazaar Italia.

(01/7)